Warning: Undefined variable $content_types in /home/.sites/101/site3679126/web/wp-content/plugins/custom-content-types/custom_content_types.php on line 297 Gruppenausstellung | BACK TO THE ROOTS https://www.miriamjesacher.com Sat, 11 Mar 2023 10:57:36 +0000 de hourly 1 https://wordpress.org/?v=6.9.4 https://www.miriamjesacher.com/wp-content/uploads/2017/04/cropped-website_icon-32x32.jpg Gruppenausstellung | BACK TO THE ROOTS https://www.miriamjesacher.com 32 32 144664317 WISH YOU WERE HERE 2017 https://www.miriamjesacher.com/wishyouwerehere/ Fri, 01 Sep 2017 11:33:39 +0000 http://www.miriamjesacher.com/?p=2302

curated by ANONIM***

Catrin Bolt /  Christoph Harringer / Fanni Futterknecht /  Marlene Hausegger / Katrin Hornek / Miriam Jesacher / Edith Payer / Helmut Heiss / Daniel Ramirez

 

***

30.9. - 15.10. 2017
Bahnhofstraße 4,8692 Veitschbach,Neuberg an der Mürz
***
11 - 19 o´clock

!!LOVE PEACE AND HAPPINESS!!

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curated by ANONIM***

Catrin Bolt /  Christoph Harringer / Fanni Futterknecht /  Marlene Hausegger / Katrin Hornek / Miriam Jesacher / Edith Payer / Helmut Heiss / Daniel Ramirez

 

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30.9. - 15.10. 2017
Bahnhofstraße 4,8692 Veitschbach,Neuberg an der Mürz
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11 - 19 o´clock

!!LOVE PEACE AND HAPPINESS!!

]]> 2302 MACH´S SONST KRACHTS! 2012 https://www.miriamjesacher.com/machs-sonst-krachts/ Tue, 05 Apr 2011 19:06:35 +0000 http://www.miriamjesacher.com/?p=1993 

DIE ERKLÄRTE AUSSTELLUNG

Ein Fantasy-Film über Jimi Hendrix von Wachtang Bugadze, ein „The Good, The Bad and the Ugly“- Verschnitt von Giorgi Okropiridse, Girlanden aus Kärntner Lokalzeitungen quer durch das Künstlerhaus von Manuel Gorkiewicz, daneben ein durch ein Bild gehämmerter Nagel von ANONIM, eine raumfüllende Eislaufbahn von Nicole Schatt, das Bild einer jemenitischen Frauendemonstration von Alina Kunitsyna. Die Heterogenität der Beiträge der über 20 teilnehmenden KünstlerInnen scheint in einer einzigen Ausstellung kaum vereinbar. Doch das Konzept für die Gruppenschau im Künstlerhaus Klagenfurt geht von einem erweiterten Kuratorenbegriff aus, dorthin, wo die Arbeiten in einer idealen Weise aufeinander abgestimmt sind.Denn diese Ausstellung kommt ohne jegliches Original aus. Bei manchen der Kunstwerke steht daneben in Klammer: nie realisiert. Und doch sind die Arbeiten sichtbar und wahrnehmbar, jedoch nur Form von Interpretationen, nie als das echte Kunstwerk wie es in Wirklichkeit aussieht. So wird jedes Werk von den teilnehmenden KünstlerInnen textlich beschrieben. Diese Beschreibung wird jeweils gemeinsam von einer Visualisierung der beschriebenen Arbeit begleitet, die von den Kuratorinnen der Ausstellung angefertigt wurden. In unserem Konzept für diese Ausstellung möchten wir einerseits den Begriff und die Bedeutung des Kuratierens in all seinen Ausformungen betrachten und strapazieren: KuratorInnen haben durch die Auswahl der KünstlerInnen und Arbeiten und durch die Präsentation der Werke, die Möglichkeit, massiv in die Kunstwerke einzugreifen, sie zu definieren und zu positionieren. So kann in der Gesamtkonzeption einer Sammlung oder Ausstellung schon mal die eine oder andere Arbeit verzerrt dargestellt werden. Andererseits möchten wir dem Begriff der „Originalität“ und einer Vorstellung des ungetrübten künstlerischen Ausdrucks die Alltäglichkeit von (Fehl-) Interpretation, Missverständnissen und verschiedenen Deutungsmöglichkeiten entgegenstellen. Zusätzlich soll den BetrachterInnen eine neue Souveränität gegeben werden, indem sie losgelöst von der Idee der einzig möglichen Ausformung des Originalwerkes frei und fantasievoll die Ausstellung und Werke auf verschiedenste Weisen im Kopf entstehen lassen können.  Catrin Bolt und Edith Payer

      

Teilnehmende KünstlerInnen (u.a.): Bruce la Mongo (A); Uli Dertschei (A); Manuel Gorkiewicz (A); Maria Mäser (A); Micha Payer & Martin Gabriel (A); Wendelin Pressl (A); Natalia Weiss (A); Peter Pilz (A); Hanna Schimek & Gustav Deutsch (A); ANONIIM (A); Christian Mayer (D); Lucie Stahl (D); Alexander Wolff (D); Petra Trenkel (D); Heike Bollig (D); Magda Tothova (SK); Sonia Leimer (I); Yves Mettler (CH); Nicole Schatt (CH); (Wacho Bugadze (GEO); Giorgi Okropiridse (GEO); Nino Sekhniashvili (GEO); Will Benedict (USA); Anne Juren (F); Marion Kalter (F); Alina Kunitsyna (RUS); Barak Reiser (ISR)

 

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DIE ERKLÄRTE AUSSTELLUNG

Ein Fantasy-Film über Jimi Hendrix von Wachtang Bugadze, ein „The Good, The Bad and the Ugly“- Verschnitt von Giorgi Okropiridse, Girlanden aus Kärntner Lokalzeitungen quer durch das Künstlerhaus von Manuel Gorkiewicz, daneben ein durch ein Bild gehämmerter Nagel von ANONIM, eine raumfüllende Eislaufbahn von Nicole Schatt, das Bild einer jemenitischen Frauendemonstration von Alina Kunitsyna. Die Heterogenität der Beiträge der über 20 teilnehmenden KünstlerInnen scheint in einer einzigen Ausstellung kaum vereinbar. Doch das Konzept für die Gruppenschau im Künstlerhaus Klagenfurt geht von einem erweiterten Kuratorenbegriff aus, dorthin, wo die Arbeiten in einer idealen Weise aufeinander abgestimmt sind.Denn diese Ausstellung kommt ohne jegliches Original aus. Bei manchen der Kunstwerke steht daneben in Klammer: nie realisiert. Und doch sind die Arbeiten sichtbar und wahrnehmbar, jedoch nur Form von Interpretationen, nie als das echte Kunstwerk wie es in Wirklichkeit aussieht. So wird jedes Werk von den teilnehmenden KünstlerInnen textlich beschrieben. Diese Beschreibung wird jeweils gemeinsam von einer Visualisierung der beschriebenen Arbeit begleitet, die von den Kuratorinnen der Ausstellung angefertigt wurden. In unserem Konzept für diese Ausstellung möchten wir einerseits den Begriff und die Bedeutung des Kuratierens in all seinen Ausformungen betrachten und strapazieren: KuratorInnen haben durch die Auswahl der KünstlerInnen und Arbeiten und durch die Präsentation der Werke, die Möglichkeit, massiv in die Kunstwerke einzugreifen, sie zu definieren und zu positionieren. So kann in der Gesamtkonzeption einer Sammlung oder Ausstellung schon mal die eine oder andere Arbeit verzerrt dargestellt werden. Andererseits möchten wir dem Begriff der „Originalität“ und einer Vorstellung des ungetrübten künstlerischen Ausdrucks die Alltäglichkeit von (Fehl-) Interpretation, Missverständnissen und verschiedenen Deutungsmöglichkeiten entgegenstellen. Zusätzlich soll den BetrachterInnen eine neue Souveränität gegeben werden, indem sie losgelöst von der Idee der einzig möglichen Ausformung des Originalwerkes frei und fantasievoll die Ausstellung und Werke auf verschiedenste Weisen im Kopf entstehen lassen können.  Catrin Bolt und Edith Payer

      

Teilnehmende KünstlerInnen (u.a.): Bruce la Mongo (A); Uli Dertschei (A); Manuel Gorkiewicz (A); Maria Mäser (A); Micha Payer & Martin Gabriel (A); Wendelin Pressl (A); Natalia Weiss (A); Peter Pilz (A); Hanna Schimek & Gustav Deutsch (A); ANONIIM (A); Christian Mayer (D); Lucie Stahl (D); Alexander Wolff (D); Petra Trenkel (D); Heike Bollig (D); Magda Tothova (SK); Sonia Leimer (I); Yves Mettler (CH); Nicole Schatt (CH); (Wacho Bugadze (GEO); Giorgi Okropiridse (GEO); Nino Sekhniashvili (GEO); Will Benedict (USA); Anne Juren (F); Marion Kalter (F); Alina Kunitsyna (RUS); Barak Reiser (ISR)

 

]]> 1993 HOTEL ANANAS 2012 https://www.miriamjesacher.com/ananas/ Mon, 30 Jan 2012 09:40:43 +0000 http://www.miriamjesacher.com/?p=1423 

Hannah Breitfuß, Cäcilia Brown , Fabian Fink, Helmut Heiss, Anna Hofbauer, Katrin Hornek, Miriam Jesacher, Martin Martinsen, Noële Ody, Daniel Ramirez-Turecek, Eva Seiler, Stephan Uggowitzer Initiiert von Cäcilia Brown und Fabian Fink

Hier rücken die Objekte in die Nähe des Fetischs, der sich im Sammeln, zur Schau stellen und auch Besitzen wollen äußert. Insgesamt zeigt sich der Kontext Gruppenausstellung beim Hotel Ananas als Spielwiese der Skulptur, wenn die Künstler- Innen mit großer Unbefangenheit Kunst und Alltag mischen sowie narrative Fäden auswerfen, ohne diese bis zum Schluss weiterzu-verfolgen. Nicht das Streben nach dem perfekten Endprodukt bestimmt die Atmosphäre der Ausstellung, sondern ein heteoge- nes Zusammenspiel unterschiedlichster Objekte und räumlicher Konstellationen.

 

Neben Metall, das bei der Markise im neu bestimmte Eingang der Galerie oder auch den höhenverstellbaren Beinen der Bar zusehen ist, bauten die KünstlerInnen etwa auch eine massive Holzkonstruktion, die sich als Nasenschild in den Stadtraum ausfahren lässt. Ausgestattet mit einem dekorativ drapierten Plastikrohr und einem Trichter, der anstatt leuchtendes Neon nur Regenwasser in das Rohr leitet, nimmt das Schild auf die mögliche Unsichtbarkeit der Galerie und das Neonverbot in der Altstadt Bezug.Während manche Objekte wie etwa zwei Küchenkastentüren aus den 1960er Jahren in ihrer Materialität einfach „pur“ in den Ausstellungsraum transferiert wurden und nun als Schwingtüren in Western- Manier den Weg zu einer bisher nicht vom Ausstellungsraum aus zugänglichen Toilette freimachen, wurden andere Objekte in Feinarbeit vor Ort hergestellt. Stößt man in einem Durchgang auf ein geometrisches Fliesenmosaik in Pastellfarben warten im nächsten Raum scheinbar nützliche Hand- läufe nach Ö-Norm auf, die aus einer großen Menge Bienenwachs gefertigt wurde. Das Motiv des Brunnens am Hauptplatz wird im Atrium durch einen mit Luftschlangen behängten Ständer aus Beton und Holz sowie ein wellenförmig geformtes Objekt aus Bettlaken über Hasendrahtgitter assoziiert. Bei der Definition der unterschiedlichen Skulpturen als auch der Materialwahl fällt auf, wie sehr diese mit dem Alltag und dem Alltäglichen verknüpft sind.

 

Die erste augenscheinliche Einführung in eine Ausstellung ist ihr Titel. „Hotel Ananas“ ist am Plakat beim Hauseingang der Galerie 5020 zu lesen, welches ebenso im Stiegenhaus angebracht die BesucherInnen auch gleich in den ersten Stock leitet. Der Eingang zum Hotel Ananas befindet sich jedoch nicht bei der regulären Eingangstür der Galerie sondern gegenüber wie ein Schild verrät. Die Räume der Galerie zeigen sich nicht deckungsgleich mit der Ausstellung Hotel Ananas; bereits im Stiegenhaus wird der Blick auf besondere Objekte gelenkt. An einer verschlossenen Tür hängt ein „Bitte nicht stören“ Schild des Hotels Goldner Hirsch, beim ausgewiesenen Hoteleingang eine metallene Markise mit aufgehängtem Handtuch samt Hirschmotiv und an der Tür eine Klingel. Das Hotel wird als Metapher benützt, um sich mit der „banalen“ Dingwelt künstlerisch Auseinander-zusetzen und sich interventionistisch in den Räumen der Galerie niederzulassen. Doch welche Objekte waren schon hier? Welche Dinge dienen womöglich nur als Requisite? Und welche Objekte wurden von den KünstlerInnen als Skulpturen geschaffen wie es der Einladungstext verspricht? Eindeutige Zeigegesten wie etwa Schilder oder eine Werkliste, die verraten, dass genau jenes Objekt Kunst ist, fehlen. Mit der Offenheit vieles als Skulptur anzuerkennen, die durch das Setting des Ausstellungsraums noch verstärkt wird, wird deutlich, dass zahlreiche alltägliche Objekte bereits von sich aus skulpturale Qualitäten aufweisen.

Zu Beginn der Ausstellung blickt man noch in der Straße auf das Plakat der Ausstellung und sieht dicht gedrängt junge Menschen in einer Telefonzelle mit Ananasmasken am Kopf. Im Ausstellungsraum findet man diese Masken wieder, doch anstatt auf einem hervorgehobenen Podest werden die Masken hier mit einer beiläufigen Geste in einer Ecke abgelegt. Auf diese Weise scheint ihre Position auch mehr als Zwischenablage zu fungieren, bereit für weitere Nutzungen. Ein anderes Kunstwerk, bei welchem der Zusammenhang mit dem Alltag der KünstlerInnen außer Frage steht, ist der Hosenläufer. Er besteht aus zwölf langen Hosen, welche die Künstler- Innen für diese Skulptur „gespendet“ haben. Auseinandergeschnitten, wieder zusammengenäht, in eine einheitliche Form gebracht und vor allem mit einer neuen Farbigkeit versehen, werden die Kleider der KünstlerInnen zu einem mit eindeutigen Konnotationen versehenem Objekt, dem roten Teppich. Als Verbindung zwischen zwei Räumen der Galerie dringt dieser in die Lebenswelt der BesucherInnen ein, indem er ihnen die Rolle des großen Auftritts verschafft beziehungsweise diese den roten Teppich zumindest betreten müssen, um dem Ausstellungsverlauf zu folgen. Ein Bruch mit dem imaginierten Glanz  und Glamour stellen wiederum die Armseligkeit des Materials und die drei kleinen aus den Hosen-taschen hervorragenden Püppchen dar, die buchstäblich mit den Füßen getreten werden können.

Auch die KünstlerInnen arbeiten mit dieser nicht vorhandenen Eindeutigkeit, indem sie unterschiedliche skulpturale Ausformu-lierungen zwischen Perfektion und Beiläufigkeit offerieren. Manche Objekte scheinen auf den ersten Blick weitaus mehr das Etikett Kunst zu tragen als andere oder spielen vielleicht auch nur mit den Vorstellungen und Erwartungen der Besucher*. Manche Dinge zeigen sich als klar ausformulierte Kunstinstallationen wie die Salzsäule mit der darüber tröpfelnden Tequila- flasche, andere mehr als Kunst- oder Designobjekte wie der rosafarbene Baiserluster. Die neu hinzugefügte Rampe, die das Atrium mit den Ausstellungsräumen verbindet, erscheint als nahezu unsichtbare räumliche Intervention, während der auf- gestellte Wischmob in einem Kübel mit Beton als temporäre Zimmerpflanze fungiert und als humorvolle Fußnote eines breiten Skulpturenverständnisses gelesen werden kann. Dass selbst Gebrauchspuren und Zerstörungen Gegenstand einer Artefakt-analyse sein können, verdeutlichen die in einer Ecke abgestellten Reste einer Modellbahn samt kleinem Kamerafahrzeug oder die fragile Glasarbeit „Palenque“, die nur mehr als Installationsansicht existiert. So vielseitig die Möglichkeiten das Genre Skulptur zu denken, so facettenreich sind auch die verwendeten Materialien in der Ausstellung.

ARTEFAKTE SPRECHEN LASSEN

Hotel Ananas ist eine Ausstellung, deren Ausgangspunkt und konzeptuelle Rahmung das gemeinsame Schaffen von Skulpturen ist. Und Skulpturen sind, jenseits einer kunsttheoretischen Betrachtung, zuerst einfach einmal Objekte. Dieser Text geht den Versuch ein, sich der Ausstellung über ihre materielle Ebene zu nähern und möchte im Sinne einer Kulturanalyse die Objekte sprechen lassen. Unter „sprechen lassen“ meine ich, die Objekte als ernsthafte Quelle anzusehen,die mir – anders als es die KünstlerInnen etwa in Gesprächen tun würden – Auskunft über deren Geschichte, Gestaltung und Nutzung geben. Diese Objekte sind in diesem Sinne sichtbare Spuren von Prozessen oder auch anders gesagt Artefakte. Nach einer soziologischen Definition von Ulrike Froschauer sind Artefakte:  „Produkte von sinngebenden Tätigkeiten und fungieren gleichzeitig als sinngenerierende Mitteilungen, die als soziales Gedächtnis in vergegenständlichter Form Entscheidungen der Organisation transportieren“. Doch was bedeutet dies konkret für eine Ausstellung wie Hotel Ananas? Wenn Artefakte Produkte von sinngebenden Tätigkeiten sind, so spiegeln die Objekte im Hotel Ananas jenen Entstehungsprozess der Ausstellung wider, bei dem sich sich KünstlerInnen eine Zeit lang auf den gemeinsamen Weg machten, um Gedanken in Objekte zu „übersetzen“. Wenn Artefakte sinngenerierende Mitteilungen sind, so richten sich die Objekte in der Ausstellung an eine Öffentlichkeit, sie kommunizieren über ihre Präsenz und aktivieren eine Bedeutungsproduktion bei den BetrachterInnen. Wenn Artefakte als soziales Gedächtnis Entscheidungen der Organisation transportieren, so zeigen die Objekte in der Ausstellung in ihrer finalen Form sowie als Zusammenspiel im Raum, wie die KünstlerInnen, im Rahmen der vorhandenen Ressourcen und Möglichkeiten, ihre Ausstellung aussehen lassen wollten.
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Hannah Breitfuß, Cäcilia Brown , Fabian Fink, Helmut Heiss, Anna Hofbauer, Katrin Hornek, Miriam Jesacher, Martin Martinsen, Noële Ody, Daniel Ramirez-Turecek, Eva Seiler, Stephan Uggowitzer Initiiert von Cäcilia Brown und Fabian Fink

Hier rücken die Objekte in die Nähe des Fetischs, der sich im Sammeln, zur Schau stellen und auch Besitzen wollen äußert. Insgesamt zeigt sich der Kontext Gruppenausstellung beim Hotel Ananas als Spielwiese der Skulptur, wenn die Künstler- Innen mit großer Unbefangenheit Kunst und Alltag mischen sowie narrative Fäden auswerfen, ohne diese bis zum Schluss weiterzu-verfolgen. Nicht das Streben nach dem perfekten Endprodukt bestimmt die Atmosphäre der Ausstellung, sondern ein heteoge- nes Zusammenspiel unterschiedlichster Objekte und räumlicher Konstellationen.

 

Neben Metall, das bei der Markise im neu bestimmte Eingang der Galerie oder auch den höhenverstellbaren Beinen der Bar zusehen ist, bauten die KünstlerInnen etwa auch eine massive Holzkonstruktion, die sich als Nasenschild in den Stadtraum ausfahren lässt. Ausgestattet mit einem dekorativ drapierten Plastikrohr und einem Trichter, der anstatt leuchtendes Neon nur Regenwasser in das Rohr leitet, nimmt das Schild auf die mögliche Unsichtbarkeit der Galerie und das Neonverbot in der Altstadt Bezug.Während manche Objekte wie etwa zwei Küchenkastentüren aus den 1960er Jahren in ihrer Materialität einfach „pur“ in den Ausstellungsraum transferiert wurden und nun als Schwingtüren in Western- Manier den Weg zu einer bisher nicht vom Ausstellungsraum aus zugänglichen Toilette freimachen, wurden andere Objekte in Feinarbeit vor Ort hergestellt. Stößt man in einem Durchgang auf ein geometrisches Fliesenmosaik in Pastellfarben warten im nächsten Raum scheinbar nützliche Hand- läufe nach Ö-Norm auf, die aus einer großen Menge Bienenwachs gefertigt wurde. Das Motiv des Brunnens am Hauptplatz wird im Atrium durch einen mit Luftschlangen behängten Ständer aus Beton und Holz sowie ein wellenförmig geformtes Objekt aus Bettlaken über Hasendrahtgitter assoziiert. Bei der Definition der unterschiedlichen Skulpturen als auch der Materialwahl fällt auf, wie sehr diese mit dem Alltag und dem Alltäglichen verknüpft sind.

 

Die erste augenscheinliche Einführung in eine Ausstellung ist ihr Titel. „Hotel Ananas“ ist am Plakat beim Hauseingang der Galerie 5020 zu lesen, welches ebenso im Stiegenhaus angebracht die BesucherInnen auch gleich in den ersten Stock leitet. Der Eingang zum Hotel Ananas befindet sich jedoch nicht bei der regulären Eingangstür der Galerie sondern gegenüber wie ein Schild verrät. Die Räume der Galerie zeigen sich nicht deckungsgleich mit der Ausstellung Hotel Ananas; bereits im Stiegenhaus wird der Blick auf besondere Objekte gelenkt. An einer verschlossenen Tür hängt ein „Bitte nicht stören“ Schild des Hotels Goldner Hirsch, beim ausgewiesenen Hoteleingang eine metallene Markise mit aufgehängtem Handtuch samt Hirschmotiv und an der Tür eine Klingel. Das Hotel wird als Metapher benützt, um sich mit der „banalen“ Dingwelt künstlerisch Auseinander-zusetzen und sich interventionistisch in den Räumen der Galerie niederzulassen. Doch welche Objekte waren schon hier? Welche Dinge dienen womöglich nur als Requisite? Und welche Objekte wurden von den KünstlerInnen als Skulpturen geschaffen wie es der Einladungstext verspricht? Eindeutige Zeigegesten wie etwa Schilder oder eine Werkliste, die verraten, dass genau jenes Objekt Kunst ist, fehlen. Mit der Offenheit vieles als Skulptur anzuerkennen, die durch das Setting des Ausstellungsraums noch verstärkt wird, wird deutlich, dass zahlreiche alltägliche Objekte bereits von sich aus skulpturale Qualitäten aufweisen.

Zu Beginn der Ausstellung blickt man noch in der Straße auf das Plakat der Ausstellung und sieht dicht gedrängt junge Menschen in einer Telefonzelle mit Ananasmasken am Kopf. Im Ausstellungsraum findet man diese Masken wieder, doch anstatt auf einem hervorgehobenen Podest werden die Masken hier mit einer beiläufigen Geste in einer Ecke abgelegt. Auf diese Weise scheint ihre Position auch mehr als Zwischenablage zu fungieren, bereit für weitere Nutzungen. Ein anderes Kunstwerk, bei welchem der Zusammenhang mit dem Alltag der KünstlerInnen außer Frage steht, ist der Hosenläufer. Er besteht aus zwölf langen Hosen, welche die Künstler- Innen für diese Skulptur „gespendet“ haben. Auseinandergeschnitten, wieder zusammengenäht, in eine einheitliche Form gebracht und vor allem mit einer neuen Farbigkeit versehen, werden die Kleider der KünstlerInnen zu einem mit eindeutigen Konnotationen versehenem Objekt, dem roten Teppich. Als Verbindung zwischen zwei Räumen der Galerie dringt dieser in die Lebenswelt der BesucherInnen ein, indem er ihnen die Rolle des großen Auftritts verschafft beziehungsweise diese den roten Teppich zumindest betreten müssen, um dem Ausstellungsverlauf zu folgen. Ein Bruch mit dem imaginierten Glanz  und Glamour stellen wiederum die Armseligkeit des Materials und die drei kleinen aus den Hosen-taschen hervorragenden Püppchen dar, die buchstäblich mit den Füßen getreten werden können.

Auch die KünstlerInnen arbeiten mit dieser nicht vorhandenen Eindeutigkeit, indem sie unterschiedliche skulpturale Ausformu-lierungen zwischen Perfektion und Beiläufigkeit offerieren. Manche Objekte scheinen auf den ersten Blick weitaus mehr das Etikett Kunst zu tragen als andere oder spielen vielleicht auch nur mit den Vorstellungen und Erwartungen der Besucher*. Manche Dinge zeigen sich als klar ausformulierte Kunstinstallationen wie die Salzsäule mit der darüber tröpfelnden Tequila- flasche, andere mehr als Kunst- oder Designobjekte wie der rosafarbene Baiserluster. Die neu hinzugefügte Rampe, die das Atrium mit den Ausstellungsräumen verbindet, erscheint als nahezu unsichtbare räumliche Intervention, während der auf- gestellte Wischmob in einem Kübel mit Beton als temporäre Zimmerpflanze fungiert und als humorvolle Fußnote eines breiten Skulpturenverständnisses gelesen werden kann. Dass selbst Gebrauchspuren und Zerstörungen Gegenstand einer Artefakt-analyse sein können, verdeutlichen die in einer Ecke abgestellten Reste einer Modellbahn samt kleinem Kamerafahrzeug oder die fragile Glasarbeit „Palenque“, die nur mehr als Installationsansicht existiert. So vielseitig die Möglichkeiten das Genre Skulptur zu denken, so facettenreich sind auch die verwendeten Materialien in der Ausstellung.

ARTEFAKTE SPRECHEN LASSEN

Hotel Ananas ist eine Ausstellung, deren Ausgangspunkt und konzeptuelle Rahmung das gemeinsame Schaffen von Skulpturen ist. Und Skulpturen sind, jenseits einer kunsttheoretischen Betrachtung, zuerst einfach einmal Objekte. Dieser Text geht den Versuch ein, sich der Ausstellung über ihre materielle Ebene zu nähern und möchte im Sinne einer Kulturanalyse die Objekte sprechen lassen. Unter „sprechen lassen“ meine ich, die Objekte als ernsthafte Quelle anzusehen,die mir – anders als es die KünstlerInnen etwa in Gesprächen tun würden – Auskunft über deren Geschichte, Gestaltung und Nutzung geben. Diese Objekte sind in diesem Sinne sichtbare Spuren von Prozessen oder auch anders gesagt Artefakte. Nach einer soziologischen Definition von Ulrike Froschauer sind Artefakte:  „Produkte von sinngebenden Tätigkeiten und fungieren gleichzeitig als sinngenerierende Mitteilungen, die als soziales Gedächtnis in vergegenständlichter Form Entscheidungen der Organisation transportieren“. Doch was bedeutet dies konkret für eine Ausstellung wie Hotel Ananas? Wenn Artefakte Produkte von sinngebenden Tätigkeiten sind, so spiegeln die Objekte im Hotel Ananas jenen Entstehungsprozess der Ausstellung wider, bei dem sich sich KünstlerInnen eine Zeit lang auf den gemeinsamen Weg machten, um Gedanken in Objekte zu „übersetzen“. Wenn Artefakte sinngenerierende Mitteilungen sind, so richten sich die Objekte in der Ausstellung an eine Öffentlichkeit, sie kommunizieren über ihre Präsenz und aktivieren eine Bedeutungsproduktion bei den BetrachterInnen. Wenn Artefakte als soziales Gedächtnis Entscheidungen der Organisation transportieren, so zeigen die Objekte in der Ausstellung in ihrer finalen Form sowie als Zusammenspiel im Raum, wie die KünstlerInnen, im Rahmen der vorhandenen Ressourcen und Möglichkeiten, ihre Ausstellung aussehen lassen wollten.
]]> 1423 AT THE END OF THE RAINBOW 2013 https://www.miriamjesacher.com/at-the-end-of-the-rainbow/ Wed, 10 Apr 2013 14:58:04 +0000 http://www.miriamjesacher.com/?p=889

WHAT THE SHOP is an investigation of artistic practice and the city.

WHAT THE SHOP always ends with a publication.

WHAT THE SHOP is run by people who have worked with each other before and trust each other.

 WHAT THE SHOP is always up for tasty food.

WHAT THE SHOP does not stay at one place for more then 3 month.

WHAT THE SHOP is not about selling things but about everything else.

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]]> 889 HALLO HONIG ICH BIN ZUHAUSE! 2010 https://www.miriamjesacher.com/hallo-honig-ich-bin-zuhause/ Fri, 22 Jan 2010 16:21:43 +0000 http://www.miriamjesacher.com/?p=907 

Die Begriffslandschaft Heimat/zu Hause/Ursprung als Spannungsbogen zwischen Mensch und Raum oder Verhalten und Kultur. Ein fruchtbares Analysefeld. Wenn zu HAUSE Identifikation bedeutet, dann baut diese Wahrnehmung auf der Erfahrung moralischer Grundsätze. Diese Gleichsetzung verursacht und lenkt Wahrnehmung. Ausgehend vom Impuls, zum 10-jährigen Jubiläum des Verlassens der Heimat wieder zurückzukehren, formuliert sich der Wunsch, nach internationaler, inhaltlicher Arbeit an Architektur- und Zuhause-Entwürfen. Es stellt sich die Frage tatsächlich zurück nach Hause zu gehen und lokale Strukturen parallel globalen Zeitgenössischkeiten gegenüber zu stellen. Einerseits ist die Rückwertsbewegung existentiell zu sehen, als allerletztes Auffangnetz, wenn die prekäre Lebensplanung als Künstlerin scheitern sollte. Andererseits gilt es die Prägung durch den ländlichen Kontext des Aufwachsens und Weggehens, zu reflektieren. Welche Souvenirs bringt man mit, wenn man zurückkehrt?

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Die Begriffslandschaft Heimat/zu Hause/Ursprung als Spannungsbogen zwischen Mensch und Raum oder Verhalten und Kultur. Ein fruchtbares Analysefeld. Wenn zu HAUSE Identifikation bedeutet, dann baut diese Wahrnehmung auf der Erfahrung moralischer Grundsätze. Diese Gleichsetzung verursacht und lenkt Wahrnehmung. Ausgehend vom Impuls, zum 10-jährigen Jubiläum des Verlassens der Heimat wieder zurückzukehren, formuliert sich der Wunsch, nach internationaler, inhaltlicher Arbeit an Architektur- und Zuhause-Entwürfen. Es stellt sich die Frage tatsächlich zurück nach Hause zu gehen und lokale Strukturen parallel globalen Zeitgenössischkeiten gegenüber zu stellen. Einerseits ist die Rückwertsbewegung existentiell zu sehen, als allerletztes Auffangnetz, wenn die prekäre Lebensplanung als Künstlerin scheitern sollte. Andererseits gilt es die Prägung durch den ländlichen Kontext des Aufwachsens und Weggehens, zu reflektieren. Welche Souvenirs bringt man mit, wenn man zurückkehrt?

]]> 907 GOLD ARMUT WAR GESTERN! 2007 https://www.miriamjesacher.com/gold-armut-war-gestern/ Sun, 28 Jan 2007 10:01:03 +0000 http://www.miriamjesacher.com/?p=1079

Beziehen Sie Stellung! Utopie kann scheitern, der Versuch ist wichtig.In Auseinandersetzung mit Macht und  Ressourcen gestaltet das Forum Stadtpark das Festival GOLD Armut war gestern. Ausgehend von der Position der Reichen rufen wir auf, sich mit diesen Themen zu beschäftigen. Wenn wir von Reichtum reden, schließen wir uns nicht aus, Österreich ist eines der reichsten Länder der Welt. Wir rufen auf, aus der Position der Mächtigen heraus zu denken und zu agieren. Die Macht ist in unseren Händen! Wir wollen die Macht,die wir haben, nützen und in unseren Visionen zum Ausdruck  bringen. Wir wollen die Macht nützen, sei es durch den Entwurf utopischer Weltbilder, sei es durch die Formulierung von Kritik und Analyse an der Verteilung von Macht in unserer Welt. Es geht um die Macht, die wir haben, gerne hätten, der wir unterworfen sind und die wir gerne ausüben würden. Die Ressourcen sind in unseren Händen! Wir wollen die uns zur Verfügung stehenden Ressourcen nützen und den globalen wie regionalen Umgang mit Ressourcen zur Ressource unseres Festivals machen. Es geht um Arbeit, Reichtum, ökologische wie ökonomische Schätze. Wie gehen wir mit ihnen um? Wie sehr entziehen sie sich uns? Ein Team bestehend aus: Dieter Boyer, Hermi Ria Grabner, Anton Lederer, Ursula Obernosterer, Nora Theiss entwickelte und kuratierte das multidisziplinäre Kunstfestival GOLD – Armut war gestern. In Auseinandersetzung mit den Themen Macht und Ressourcen gestaltet das Forum Stadtpark Graz vom 20. April bis 5. Mai das 2. Forum Festival "GOLD – Armut war gestern". Über 200 nationale und internationale KünstlerInnen und Kulturschaffende aus den unterschiedlichen Sparten wie Architektur, Mode, bildende Kunst, Theater, Literatur, Film, Theorie und Musik beziehen Stellung. Das Programm in den sechzehn Festival-Tagen ist dicht. Das Spektrum der Projekte reicht von kritischen Performances bis zu dekadenten Partys und spiegelt so die Bandbreite der kontroversiellen Auseinandersetzung mit Armut und Reichtum, Macht und Ohnmacht wieder. In einer Zeit in der die Schere zwischen Arm und Reich auf lokaler und globaler Ebene immer eklatanter auseinanderklafft, beschwört "Armut war gestern" mehr eine ferne Utopie als gesellschaftliche Realität. Österreich kann sich zu den 14 reichsten Ländern der Welt zählen, trotzdem gelten mehr als eine Million Menschen als armutsgefährdet. Gleichzeitig ist Österreich umgeben von boomenden Nachbarländern in denen Goldgräberstimmung herrscht. Diese komplexe Situation wird sich in der Fülle der künstlerischen Beiträge im Festival widerspiegeln. Ein großer Teil der gezeigten Arbeiten enstanden nach einem open call for entries und wurden für das Festival produziert, das geschah in Zusammenarbeit mit dem Festivalteam. FORUM STADTPARK GRAZ FM4 Artikel Stadtpark Closed FALTER Artikel ]]>

Beziehen Sie Stellung! Utopie kann scheitern, der Versuch ist wichtig.In Auseinandersetzung mit Macht und  Ressourcen gestaltet das Forum Stadtpark das Festival GOLD Armut war gestern. Ausgehend von der Position der Reichen rufen wir auf, sich mit diesen Themen zu beschäftigen. Wenn wir von Reichtum reden, schließen wir uns nicht aus, Österreich ist eines der reichsten Länder der Welt. Wir rufen auf, aus der Position der Mächtigen heraus zu denken und zu agieren. Die Macht ist in unseren Händen! Wir wollen die Macht,die wir haben, nützen und in unseren Visionen zum Ausdruck  bringen. Wir wollen die Macht nützen, sei es durch den Entwurf utopischer Weltbilder, sei es durch die Formulierung von Kritik und Analyse an der Verteilung von Macht in unserer Welt. Es geht um die Macht, die wir haben, gerne hätten, der wir unterworfen sind und die wir gerne ausüben würden. Die Ressourcen sind in unseren Händen! Wir wollen die uns zur Verfügung stehenden Ressourcen nützen und den globalen wie regionalen Umgang mit Ressourcen zur Ressource unseres Festivals machen. Es geht um Arbeit, Reichtum, ökologische wie ökonomische Schätze. Wie gehen wir mit ihnen um? Wie sehr entziehen sie sich uns? Ein Team bestehend aus: Dieter Boyer, Hermi Ria Grabner, Anton Lederer, Ursula Obernosterer, Nora Theiss entwickelte und kuratierte das multidisziplinäre Kunstfestival GOLD – Armut war gestern. In Auseinandersetzung mit den Themen Macht und Ressourcen gestaltet das Forum Stadtpark Graz vom 20. April bis 5. Mai das 2. Forum Festival "GOLD – Armut war gestern". Über 200 nationale und internationale KünstlerInnen und Kulturschaffende aus den unterschiedlichen Sparten wie Architektur, Mode, bildende Kunst, Theater, Literatur, Film, Theorie und Musik beziehen Stellung. Das Programm in den sechzehn Festival-Tagen ist dicht. Das Spektrum der Projekte reicht von kritischen Performances bis zu dekadenten Partys und spiegelt so die Bandbreite der kontroversiellen Auseinandersetzung mit Armut und Reichtum, Macht und Ohnmacht wieder. In einer Zeit in der die Schere zwischen Arm und Reich auf lokaler und globaler Ebene immer eklatanter auseinanderklafft, beschwört "Armut war gestern" mehr eine ferne Utopie als gesellschaftliche Realität. Österreich kann sich zu den 14 reichsten Ländern der Welt zählen, trotzdem gelten mehr als eine Million Menschen als armutsgefährdet. Gleichzeitig ist Österreich umgeben von boomenden Nachbarländern in denen Goldgräberstimmung herrscht. Diese komplexe Situation wird sich in der Fülle der künstlerischen Beiträge im Festival widerspiegeln. Ein großer Teil der gezeigten Arbeiten enstanden nach einem open call for entries und wurden für das Festival produziert, das geschah in Zusammenarbeit mit dem Festivalteam. FORUM STADTPARK GRAZ FM4 Artikel Stadtpark Closed FALTER Artikel ]]> 1079